W ciągu ostatnich kilku miesięcy rozmawialiśmy z deweloperami, producentami i dyrektorami studiów z różnych zespołów o tym, jak gry naprawdę powstają teraz. Obraz, który się wyłonił, mniej zależy od jednej technologii, a bardziej od całościowego przemyślenia zakresu, harmonogramów i struktury zespołów.
Oto, co pojawiało się najczęściej — i co to oznacza dla premier w najbliższych latach.
1) Krótsze gry, gęstszy projekt.
Kilka studiów opisało odejście od ogromnych otwartych światów na rzecz bardziej zwartych i bardziej grywalnych ponownie doświadczeń. Ogromne mapy są drogie w wypełnianiu znaczącą treścią, a gracze coraz częściej mówią, że i tak nie kończą długich gier.
2) Mniej funkcji, lepiej wykonanych.
Listy funkcji są skracane wcześniej w produkcji. Jeden producent opisał, jak przesunęli zamknięcie funkcji (feature lock) o kilka miesięcy i traktowali wszystko, co nie jest gotowe do tej daty, jako automatycznie poza zakresem.
3) Jasność jako cel projektu.
Zespoły piszą jednozdaniowe propozycje dla każdego systemu i usuwają wszystko, czego nie da się szybko wyjaśnić. Niejasne funkcje zwykle wychodzą niedokończone — albo mylą graczy po premierze.
Inwestycja w narzędzia rośnie.
Zespoły przeznaczają większą część wczesnej produkcji na budowę narzędzi wewnętrznych. Nagrodą jest szybsza iteracja później, zwłaszcza dla projektantów poziomów i zespołów narracyjnych, które wcześniej czekały na inżynierów przy rutynowych zmianach.
Automatyczne testowanie stało się standardem.
Nocne automatyczne przejścia, które wykrywają zatory w progresji, są już zwykłą praktyką nawet w studiach średniej wielkości. Kilka zespołów przypisało temu drastyczne skrócenie końcowego etapu naprawiania błędów.
Telemetria wcześniej, nie tylko przy premierze.
Dane z playtestów zasilają decyzje projektowe w połowie produkcji, zamiast leżeć nieużywane aż do po premierze. Studia, które robią to dobrze, traktują telemetrię jak rozmowę z playtesterami, nie jak pulpit (dashboard), który można zignorować.
Mniejsze zespoły o dłuższym życiu.
Zamiast składać duże tymczasowe zespoły do każdego projektu, kilka studiów utrzymuje mniejsze grupy podstawowe, które zostają razem przez kilka tytułów. Dyrektorzy opisali to jako największą poprawę przewidywalności produkcji, jaką wprowadzili.
Praca hybrydowa układa się w model.
Praca w pełni zdalna i w pełni biurowa w dużej mierze ustąpiły miejsca układom hybrydowym zbudowanym wokół zsynchronizowanych dni przeglądu, a skupiona praca indywidualna dzieje się asynchronicznie.
Mentoring zamiast kultury crunchu.
Studia, które zgłaszają najzdrowsze harmonogramy, mówiły o mentoringu, realistycznych buforach kamieni milowych (milestone) i cięciu zakresu (scope), zanim tnie się sen. Te, które wciąż wyczerpują swoich ludzi (burnout), rzadko zatrzymują talent, który czyni następną grę lepszą.
Pomoc proceduralna, nie pełne generowanie.
Zainteresowanie kieruje się mniej ku w pełni automatycznemu generowaniu światów, a bardziej ku przyspieszaniu konkretnych zadań artystów: wariacji rekwizytów (props), blokowania terenu i generowania poziomu szczegółów (LOD). Autorska jakość człowieka pozostaje w centrum.
Lepsze systemy animacji.
Techniki takie jak motion matching przeszły z innowacji na szczycie do rutyny w większych studiach i zaczynają pojawiać się w produkcjach średniej wielkości dzięki gotowej obsłudze prosto z silnika.
Dostępność wcześniej w procesie produkcji.
Przypisywalne sterowanie, opcje napisów i rozdzielenie trudności planuje się już w preprodukcji, zamiast dokładać je w pośpiechu przed premierą — decyzja pchnięta regulacjami na niektórych rynkach i prostym faktem, że dostępne gry docierają do większej liczby graczy.
Opóźnienia (delay) zwykle są właściwą decyzją.
Każdy deweloper, z którym rozmawialiśmy, sformułował wersję tego poglądu. Dodatkowy czas prawie zawsze idzie na stabilność i dopracowanie; alternatywą jest wydanie czegoś, o czym zespół wie, że nie jest gotowe.
Moment informacji zwrotnej ma znaczenie.
Informacja zwrotna od społeczności podczas wczesnych testów naprawdę zmienia gry. Informacja po premierze zasila głównie następny projekt, bo do tego czasu obecny jest w dużej mierze zamknięty (locked).
Cięcie treści nie zawsze oznacza „brakującą treść”.
Usunięcie na wpół gotowego systemu może sprawić, że reszta gry wyda się bardziej skończona. Gracze często odczuwają te cięcia jako fokus, nie jako brak — gdy zespół komunikuje to jasno.
Środek rynku wygląda najmocniej.
Budżety najwyższego poziomu przestały rosnąć u wielu wydawców. Dyrektorzy oczekują, że zespoły od około trzydziestu do osiemdziesięciu osób, robiące skupione gry z jasną tożsamością, stworzą wiele z najbardziej pamiętnych przyszłych premier.
Usługi live stają się bardziej selektywne.
Nie każdy tytuł potrzebuje kalendarza treści na kilka lat. Studia chętniej wydają skończoną grę dla jednego gracza — albo lżejszą warstwę live — niż narzucają model usługowy, który nie pasuje do projektu.
Standardy i komfort mają większe znaczenie.
Gra międzyplatformowa, rozsądne ustawienia domyślne i opcje komfortu stają się podstawowymi wymaganiami, a nie wyróżnikami. Wyróżnikiem pozostaje tożsamość twórcza.
Patrz na wielkość studia i na to, jak długo podstawowy zespół pracuje razem — nie tylko na budżet marketingowy.
Zauważ, gdy gra wychodzi krótsza i gęstsza; to często jest celowe, nie dowód, że jest niedokończona.
Traktuj okna informacji zwrotnej z wczesnych playtestów jako prawdziwy moment, żeby wpłynąć na tytuł.
Śledź opcje dostępności i komfortu wymienione przy ujawnieniu, nie tylko w notatkach do patchy po premierze.
Obserwuj studia średniej wielkości z jasnym twórczym pitchem; stamtąd większość rozmówców oczekuje przyjemnych niespodzianek.
Nikt z ludzi, z którymi rozmawialiśmy, nie opisał obecnego momentu jako łatwego. Było jednak wspólne poczucie, że branża staje się coraz lepsza w niebłyszczących częściach robienia gier: realistycznym planowaniu, budowaniu dobrych narzędzi i utrzymywaniu zespołów razem wystarczająco długo, żeby stały się dobre we wspólnej pracy.
To nie są zmiany, które chwytają nagłówki na pierwszej stronie. To jednak te, które z największym prawdopodobieństwem odbiją się na jakości tego, w co będziesz grać w najbliższych latach — a studia, które działają według nich teraz, już kształtują, jak będzie wyglądało „dobre” w przyszłości.